L’image de deux âmes qui communient surgit de la nuit des temps. Amis, amoureux, parents, le motif de l’union de deux êtres fascine. Depuis le paléolithique où elle n’apparait qu’en subliminal dans une figurine féminine érotisée, elle habite toutes les époques.

Précurseurs de la revendication d’une égalité toujours élusive, dans les statues-couples de l’Égypte antique, l’homme et la femme sont traités de manière identique, dans les dimensions, les postures et la réciprocité de gestes tendres.

Cette même civilisation nous a légué la première trace connue de l’amour intime entre deux hommes, un double portrait de profil, les yeux dans les yeux, accompagné de la légende « Khnumhotep et Niankhkhnum ont vécu ensemble et se sont aimés avec ion ».

Dans notre ère, rares sont les artistes qui ne s’y sont jamais confrontés. Images d’étreintes et de complicité, mais aussi de tension où l’espace entre les protagonistes s’impose tel une troisième présence. Complexe par l’éventail des situations et sentiments à traduire, ce motif tant revisité pourrait lasser, sembler redondant, même « bateau ».

C’est la singularité du regard de l’artiste qui sans cesse le renouvelle, telle une rencontre qui se produit sous nos yeux. Pour tout ce que l’image du couple raconte de profond sur l’humanité, d’originel et d’essentiel dans le pur sens étymologique, jamais sa magie et son mystère ne s’épuiseront.

Dans le cortège d’Orphée, Apollinaire met en scène le chat, la tortue, la mouche, la puce ou le poulpe – « ce monstre inhumain, c’est moi-même », écrivait-il d’ailleurs à propos de ce dernier. À l’heure où l’on se ionne pour l’unité du vivant, un bestiaire d’aujourd’hui serait-il bien différent ? D’abord, il compterait un Adam, L’homme Heureux d’Anne Roger-Lacan, et une Eve, Une dame très sélect de Marcel Miracle, lesquels s’animeraient joyeusement comme les Dancing Twins d’Elsa Sahal. Dans ce bestiaire, il y aurait des animaux mélancoliques, peut-être des cygnes-pédalos comme celui d’Erwin Olaf, des ours en peluche comme celui que tient dans ses bras la jeune femme enceinte photographiée par Sophie Bramly. Il y aurait des dinosaures en plastique épinglés comme des papillons dans un cabinet de curiosité de Mark Dion, et peut-être aussi un mickey un peu cabossé, échoué sur une plage, surpris le nez dans le sable par Tami Notsani. Certains animaux seraient un peu des machines, tel le robot en désordre de Zhenya Machneva. Et même des machines en pannes, comme Pour les choses qui restent brutes de Nelson Pernisco. Tous seraient des chimères, chacun à leur façon, à l’image de La déesse de la lune verte de Françoise Vergier, ou de Mimesis-Hibiscus Trinium de Seb Janiak. Certains auraient des ailes comme cet oiseau-fleur de Jean Messagier, comme les créatures de Maya Inès Touam, comme ce poisson-vague de James Rielly.

Devant ou derrière le rideau, je suis au seuil du prochain chapitre de mon espace de bonheur, la danse. Pleinement dans l’instant, au plus près de ma conscience, regardant à l’intérieur de moi-même et vers autrui par le don de soi, ma reconnaissance envers le public et le désir de transmission qui est au cœur de notre art.

Avant la tombée du rideau, et dans chaque instant qui lui succède, j’interprète une myriade de gestes que j’accueille en les laissant m’habiter et en les apprivoisant patiemment.

A travers ma danse, j’espère traduire l’étendue de nos états d’âme et nos états d’être ; le vertige et la résilience de l’amour qui est une rédemption ; la grâce infinie qui est partout dans la nature et dont nos propres corps abritent le mystère ; démontrer que la différence est une évidence ; remplir les points dans l’immensité de l’univers et les relier entre eux. Faire de chacun un espace de bonheur. Les faire briller comme des étoiles.

Cette sélection d’œuvres est l’esquisse d’un portrait de mon histoire.

Merci à Renato d’Agostin, Rebecca Amsellem, Théo Antonin, Hannah Archambault, Paz Borquez-Chevallier, Frédéric Fleury, Bérangère Fromont, Alice Grenier Nebout, Eric Grizard, Alice Goudon et Irma de Rean, et à ce regard anonyme d’époque qui fait revivre l’aube de la modernité en danse.

À travers une sélection d’œuvres avec comme point commun la nuit, la curation « Insomnie » exprime la complexité des nuits blanches. er des heures à attendre, à voyager, où la seule trace de vie est là où il y a de la lumière : un immeuble, un parking, une station service, à l'angle d’une rue d’une ville de mon enfance, l’Union. Ces points lumineux éclairent les pensées noires de nos nuits blanches. Ces nuits mouvementées, à réfléchir durant des heures, à analyser, angoisser, loin de l’euphorie et des excès de la journée, permet au vide de nous rassurer. L’œuvre « Lumineuse Solitude » de Adam Akner nous plonge dans ce moment suspendu dans le vide. Pour qu’au final, tard dans la nuit, les lumières encore allumées, avachie sur une table, le voilà enfin le sommeil ! Les rêves remplacent le vide. Sous les projecteurs d’un théâtre ou rêvant d’un coucher de soleil, Nathan Ghali avec son œuvre « Qui dorment paisiblement : Anne Hélène » exprime le réconfort du sommeil où la frontière de la réalité devient flou pour un monde, qui lui est réellement réconfortant.

Pour son édition 2025, le Nouveau Printemps investit le quartier Saint-Sernin et associe l’artiste Kiddy Smile. Le festival affirme sa nouvelle formule et consolide les relations qu’il tisse avec la ville comme avec les artistes d’ici et d’ailleurs. Défendant un art pour toutes et tous, localement ancré, artistiquement exigeant, avant-gardiste, le Nouveau Printemps soutient des créations ou des expériences artistiques collectives, ouvertes sur le monde et responsables pour nos environnements.  En dialogue avec des espaces d’arts ou des lieux inédits du quartier, Kiddy Smile et ses invité·e·s composent un parcours d’expositions, rassemblant de multiples pratiques artistiques, pour révéler encore une nouvelle vision de l’art. Cette fois, c'est une constellation dédiée à l’amour, aux liens et aux familles qui se constitue et s’offre de lieu en lieu : des invitations faites par Kiddy Smile à des artistes et des œuvres qui disent le désir d’être chacun et chacune ensemble, avec respect et fierté.

L'histoire de la photographie architecturale a commencé entre 1826 et 1827 avec la plus ancienne photographie préservée au monde : "Vue de la fenêtre au Gras", un héliographe de Nicéphore Niépce, son inventeur. Au début du 19ème siècle, les daguerréotypes utilisés à l'époque nécessitaient un long temps d'exposition, ce qui a conduit l'architecture à devenir un sujet d'inspiration qui a captivé les photographes avec ses courbes et lignes architecturales. Les photographes ont documenté la construction de la Tour Eiffel, du métro de Paris et des gratte-ciel de New York, capturant le travail de célèbres architectes tels que Le Corbusier et le mouvement Bauhaus. Plus récemment, l'"urbex", abréviation d'exploration urbaine, vise à explorer des lieux abandonnés. Les images produites reflètent une architecture mise à l'épreuve par le age du temps. Elles interrogent les constructions humaines et leur nature éphémère. Tout au long du 20ème siècle, la photographie a évolué en une véritable forme d'art. Bien que l'image reproduise souvent fidèlement le bâtiment, le regard subjectif de l'artiste révèle une atmosphère, joue avec la lumière et devient plus abstrait. L'artiste transmet sa vision personnelle d'une structure et de ses éléments architecturaux. C'est ces perspectives que cette sélection vous invite à découvrir.

Comment pouvons-nous agir positivement alors que nous sommes au cœur d'une crise climatique, de guerres, et dans une société qui évolue à une vitesse incroyable et qui s'effondre de diverses manières ? Comment pouvons-nous nous engager lorsque nous nous sentons totalement impuissants face aux injustices mondiales qui semblent hors de notre portée ? Comment pouvons-nous reprendre le pouvoir, agir et avancer en tant qu'individus au sein d'un système qui nous paralyse intentionnellement ? La réponse à laquelle je suis le plus connecté est le soin. Le soin collectif. Le soin est un acte radical dans notre société actuelle. Un acte de soin peut et fera la différence. Voici une sélection d'œuvres qui mettent en avant le thème du soin à travers divers thèmes : le soin collectif, le soin personnel, le soin de notre planète, explorés à travers différents médiums. Comme le dit Thich Nhat Hanh dans « L'Art de Communiquer » (2013), ‘Le soin est le pont qui nous relie les uns aux autres‘.

Que ce soit pour traduire au plus près l’univers intime ou celui qui nous entoure - enrichir, épurer ou explorer l’essence d’un motif en représentant ce qu’il ne révèle pas - les points de age aux langages de l’abstraction sont multiples, persistantes et puissantes : L’examen du subconscient, la restitution des émotions indicibles, l’émerveillement devant l’exubérance ou le romantisme de la nature, l’expression d’une cartographie du monde réduite à sa stricte essence, la mise-en-scène d’une réalité dysfonctionnelle, une vision macro ou l’investigation de l’infiniment petit… 

Hors sujet (Aux confins du réel) explore les espaces interstitielles, aux frontières tenus, entre une figuration onirique, poétique, fantasmagorique, ésotérique, cartésienne ou intuitive, et sa métamorphose - par glissement ou bascule - en pure abstraction, qu’elle soit lyrique, expressionniste, géométrique ou non-objectif. Cette sélection d’œuvres exprime ma fascination inaltérable pour cet équilibre délicat, impermanent et flottant ; un va-et-vient entre le motif et l’ailleurs ; le concret et l’imaginaire ; l’identifiable et ce qui échappe à la qualification; le sujet et le Tout.

Avec la curation "MirrorMirror (on the wall)", j'étais intéressé à examiner le figuratif au sein des médias de la photographie, des œuvres sur papier, de la peinture et de la sculpture. En tant qu'expert en photographie et en art contemporain, et en tant qu'artiste travaillant avec la performance et l'image en mouvement, je suis très motivé par des concepts liés à l'intimité et à la façon dont l'art peut être utilisé comme un véhicule pour la guérison et comme un catalyseur pour permettre le dévoilement de nos multiples identités. Je suis particulièrement guidé par le potentiel de l'art à être un espace politisé, capable de donner la parole aux groupes minoritaires ; pour nous permettre de partager notre expérience comme un acte de générosité et d'autonomisation. 

Dans un monde de plus en plus visuel et homogène, je suis toujours attiré par des artistes qui cherchent à s'éloigner des récits visuels trop préoccupés par le mainstream. 

Je crois que les artistes ont la capacité d'offrir à leur public un miroir qui peut permettre au spectateur de voir une partie de lui-même qu'il ne savait peut-être pas exister, afin qu'un voyage de découverte de soi et d'acceptation de soi puisse commencer.

L'art figuratif captivant a la capacité de nous emmener dans un voyage pour explorer à la fois les facettes connues et moins connues de l'expérience humaine.