Originele werken van Art Brut te koop

126 Originele kunstwerken, limited editions en prints:

Artistieke beweging die onlosmakelijk verbonden is met de naam van de Franse kunstenaar Jean Dubuffet, art brut blijft een zeker succes genieten in de wereld van de hedendaagse kunst, zoals blijkt uit de rijke productie van de kunstenaars van ArtMajeur.
Art brut, of outsider art, een term bedacht door de Franse kunstenaar Jean Dubuffet in 1945, verwijst naar deze bijzondere vorm van creatieve expressie, voornamelijk het werk van autodidactische kunstenaars, kinderen, gemarginaliseerde mensen of psychiatrische patiënten, met als doel een soort van bewustzijn van "verschil".

Het resultaat van de productie van dit specifieke type kunstenaars zijn in feite zeer ongebruikelijke en instinctieve werken, die, afgezien van bepaalde stijlen of bewegingen, extreem rauw en emotioneel zijn.

Wat is de geschiedenis van Outsider Art?

De grote gevoeligheid en de sterke bewondering die Dubuffet koesterde en manifesteerde voor de 'puurheid' van de kunst van de gemarginaliseerden, vloeide voort uit fundamentele ontmoetingen met de Franse meester.

Met name de art brut van Dubuffet werd in zijn hoofdconcepten grotendeels beïnvloed door het werk van twee beroemde psychiaters, namelijk Walter Morgenthaler en Hans Prinzhorn, die, gefascineerd door de artistieke productie van hun patiënten, het begonnen te waarderen en te analyseren, te verzamelen en te documenteren. het.

Juist Dubuffet, die met deze studies in aanraking kwam, was er totaal door gefascineerd, zozeer zelfs dat hij geloofde dat de kunst van geesteszieken de zuiverste vorm van artistieke creatie kon vertegenwoordigen.

Ook één boek in het bijzonder, Prinzhorns Bildnerei der Geisteskranken, waarin duizenden kunstwerken van geesteszieken in verschillende Europese instellingen werden geanalyseerd, beïnvloedde zijn kijk op kunst.

Het was na het lezen van dit werk dat Dubuffet zijn persoonlijke verzameling begon, die niet alleen kunst omvatte gemaakt door geesteszieken, maar ook de output van excentriekelingen, kinderen, buitenbeentjes en verschoppelingen.

Deze collectie, genaamd "La Collection de l'Art Brut", werd vervolgens door Jean Dubuffet geschonken aan de stad Lausanne (Zwitserland), waar ze nog steeds wordt ontwikkeld. De werken die in het kader van permanente of tijdelijke tentoonstellingen worden gepresenteerd, hebben tot doel de bezoekers aan te moedigen na te denken over deze kunstenaars die geen echte kunstenaars zijn en deze te begrijpen.

Wat zijn de meest voorkomende technieken van de artistieke beweging Outsider Art?

In werkelijkheid zijn er geen representatieve technieken voor outsider-kunst, omdat elke kunstenaar in de beweging de neiging heeft om zijn innerlijke zelf autonoom uit te drukken, volgens zijn meest natuurlijke, eenvoudige, directe en instinctieve neiging. Er kunnen inderdaad werken worden gemaakt op een grote verscheidenheid aan media, zoals papier, karton, karton, muur, canvas, koper en glas.

Bepaalde terugkerende stilistische kenmerken komen echter vaak voor in het werk van dit type kunstenaars, zoals de motieven en bepaalde ontwerpmethoden, die erg obsessief en repetitief zijn.

Waarschijnlijk verraden deze manieren van kunstbenadering zowel een diepe gevoeligheid voor het verstrijken van de tijd als een verlangen om een soort orde te scheppen in een vaak problematische en chaotische innerlijkheid.

Wat de gebruikte materialen betreft, ze zijn, net als hun makers, vaak onconventioneel, alsof ze meer wilden aansluiten bij de rijke innerlijke wereld van hun maker.

Wie zijn de beroemde kunstenaars en werken?

Jean Dubuffet (1901 - 1985)

Jean Dubuffet, een beroemde Franse schilder en beeldhouwer, wordt beschouwd als de grondlegger van de artistieke beweging Art Brut. Na twee jaar de Academie voor Schone Kunsten in Le Havre, zijn geboorteplaats, te hebben gevolgd, ging hij in 1918 naar Parijs om cursussen te volgen aan de Académie Julian, een instelling die hij pas zes maanden later zou verlaten. . Tijdens deze vormende periode oefende het boek van Hans Prinzhorn over de kunst van de krankzinnigen en de artistieke productie van primitieve volkeren een sterke invloed op hem uit. Zijn beslissing om schilder te worden werd echter pas definitief in 1942, gedurende welke tijd hij grotendeels werd beïnvloed door de expressionistische meester Paul Klee. Maar het was vanaf 1945 dat zijn ware pad begon, een periode waarin Dubuffet theoretiseerde en het concept van art brut introduceerde. Altijd in harmonie met deze artistieke stroming, richtte hij in 1947, samen met André Breton, Paulhan en Drouin, de "Compagnie de l'art brut" op. Het is precies in deze laatste projecten dat de gedachte van Dubuffet met kracht naar voren kwam: zich losmaken van de artistieke traditie om een originele creativiteit te zoeken die in staat is een nieuwe weg voor de kunst te bewandelen.

Adolf Wolfli (1864 - 1930)

Adolf Wölfli, Zwitserse schilder en belangrijkste vertegenwoordiger van Art Brut, werd grotendeels getekend door de onaangename gebeurtenissen uit zijn jeugd, onuitwisbaar verbrijzeld door de aanwezigheid van een gewelddadige vader en de voortijdige dood van zijn moeder. Deze onaangename gebeurtenissen, gevoegd bij de mishandeling die de jongeman tijdens zijn werk in de kampen onderging, leidden ertoe dat de jongen ernstige gedragsproblemen vertoonde, zozeer zelfs dat hij eerst werd opgesloten en vervolgens, nadat zijn bewezen schizofrene toestand was bereikt, werd geïnterneerd in het Waldau-gesticht (Zwitserland), waar hij tot het einde van zijn dagen zal blijven. Het was in het psychiatrisch ziekenhuis dat de kunstenaar zichzelf troostte door te tekenen, waarbij hij zich geleidelijk bewust werd van zijn talent, dat sterk zou worden aangemoedigd en gewaardeerd door de psychiater Walter Morgenthaler. Ten slotte is het de moeite waard om te benadrukken hoe de kunstenaar tijdens zijn dertigjarige activiteit 1.300 tekeningen, verschillende notitieboekjes en een gigantische biografie van niet minder dan 25.000 exemplaren (De legende van Sint-Adolf) heeft geproduceerd, werken die voornamelijk in de Museum voor Schone Kunsten in Bern.

Hendrik Darger (1892 - 1973)

Henry Darger, Amerikaanse schrijver en illustrator, is vooral bekend om zijn fantastische manuscript, getiteld The Realms of Unreal, dat rijkelijk is geïllustreerd met enkele van de beste voorbeelden van Outsider-kunst in aquarel. Wat betreft het leven van de kunstenaar: Darger, nadat hij zijn moeder op vierjarige leeftijd had verloren, woonde bij zijn zorgzame vader totdat deze, oud en gehandicapt, naar een bejaardentehuis werd gebracht. Na deze episode belandde hij eerst in een katholiek jongerengesticht, daarna werd hij overgeplaatst naar een krankzinnigengesticht, omdat hij geestesziek was verklaard. Het lijden van deze opsluiting is grotendeels gesublimeerd in het literaire werk Les filles de Vivian. In 1908 weet Darger te ontsnappen uit het psychiatrisch ziekenhuis, maar de smaak van zijn vrijheid wordt gekenmerkt door een sterke existentiële eentonigheid.

Howard Finster (1916 - 2001)

Howard Finster, Amerikaanse baptistenkunstenaar en dominee, beweerde door God te zijn geïnspireerd om het evangelie te verspreiden door zijn artistieke creatie, inclusief buitenstaanders, naïeve en visionaire kunstwerken. Het artistieke onderzoek van Finster werd in de jaren tachtig bekend bij het grote publiek, toen hij de albumhoezen ontwierp van de beroemde Amerikaanse groepen REM en Talking Heads. Wat het privéleven van de kunstenaar betreft, kreeg Finster, die in Alabama werd geboren en opgroeide op de boerderij van zijn grote familie, zijn eerste visioen op dertienjarige leeftijd, een buitengewoon verhelderende episode die leidde tot zijn toewijding aan de prediking. Wat zijn artistieke carrière betreft, wijdde hij zich aan de bouw van musea die bedoeld zijn om de exemplaren te verzamelen en tentoon te stellen van wat de mensheid heeft gecreëerd, zoals het Plant Farm Museum, evenals de productie van heilige kunst, portretten en iconen uit de popcultuur.

Discover contemporary artworks on ArtMajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encomes a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse s and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.